Giorgio Morandi is celebrated for his poetic still-life paintings and etchings that evoke an air of timeless serenity. The artist was born in 1890 in Bologna, the city in which he was to live and work his entire life. He studied painting at the Accademia di Belle Arti in Bologna from 1907 to 1913 and, as tuition in etching was not available there, taught himself to etch using technical manuals. Although Bologna was isolated from developments in contemporary European art, Morandi was aware of recent French painting from journal articles and exhibitions such as the Venice Biennale. In addition to the paintings of Paul Cézanne, Claude Monet and Henri Rousseau, Morandi also studied early Renaissance painting in both Florence and Rome, and was particularly impressed by Giotto, Masaccio and Piero della Francesca. Although Morandi was briefly associated with the Italian Futurists in 1913–14, and with the Pittura Metafisica painters several years later, he essentially followed an individual artistic path throughout his career.
Morandi made his first etchings in 1912, of landscapes and still lifes, subjects that would preoccupy him throughout his career. These first attempts were tentative technically and he made no further etchings between 1915 and 1921. In these years he was conscripted into the army and, following discharge in 1917, he concentrated on painting. His still-life paintings of the postwar years featured bottles, vases and pitchers in which structure, spatial relationships and the play of light over forms was paramount. In his etchings Morandi sought the same qualities of tonal balance and emotional restraint that characterised his paintings. He developed a highly personal approach to etching, which is essentially a linear medium, to achieve these effects. Rather than pursuing the orchestrated complexity and diversity of Rembrandt’s etching technique (which he nevertheless admired greatly), Morandi drew upon the controlled systems of crosshatching used in reproductive engraving that defined form through tonal modulation. From 1921, when he returned to etching, Morandi developed the use of a fine mesh of parallel and crosshatched lines to execute his tightly composed still-life arrangements and local landscape scenes.
Morandi’s etchings grew in formal and technical sophistication during the 1920s, the period when his art gained international acclaim. The NGV’s large etching Still life with drapery, 1931, dates from the period of Morandi’s most intense engagement with printmaking, when his etchings were at their most experimental. Between 1928 and 1933 he made some eighty etchings, which account for nearly three-quarters of his total etched oeuvre of 136 plates. In Still life with drapery Morandi eschews strong outlines and curved lines that follow the shape of the forms they describe, instead building his composition from an interwoven network of short, straight lines. These describe the objects, crumpled cloth and background alike, and are differentiated only by their direction, how closely they are spaced, and the alternation between passages of crosshatching, parallel lines and unworked areas of white paper. This approach not only creates shimmering areas of tone but also abstracts some of the details (for example the large shell in background and the broken vase lying in the foreground). Morandi believed there was nothing ‘more abstract, more unreal than what we actually see’, and this conviction is evident in the dynamic tension between figuration and abstraction that characterises this important print.1Giorgio Morandi, interview by Edouard Roditi, in Edouard Roditi, Dialogues on Art, Ross-Erikson, 1980, p. 51.
Cathy Leahy, Senior Curator, Prints and Drawings, National Gallery of Victoria
Giorgio Morandi è celebre per le sue poetiche nature morte e incisioni che evocano un’aria di serenità senza tempo. L’artista nacque nel 1890 a Bologna, città in cui avrebbe vissuto e lavorato durante l’intero corso della sua vita. Dal 1907 al 1913, Morandi studiò pittura all’Accademia di Belle Arti di Bologna e, non essendo allora disponibile un corso di incisione, imparò quest’arte da solo grazie allo studio di manuali tecnici. Nonostante Bologna fosse isolata dagli sviluppi dell’arte contemporanea europea, Morandi rimase aggiornato sui recenti orientamenti della pittura francese grazie alla lettura di articoli di giornale e alla frequentazione di esposizioni artistiche come la Biennale di Venezia. Oltre ai dipinti di Paul Cézanne, Claude Monet e Henri Rousseau, Morandi studiò anche la pittura del primo Rinascimento sia a Firenze che a Roma, rimanendo particolarmente colpito da Giotto, Masaccio e Piero della Francesca. Sebbene nel 1913-14, Morandi sia stato brevemente associato al Futurismo italiano e, alcuni anni dopo, agli artisti parte del movimento della pittura metafisica, nel corso della sua carriera l’artista seguì essenzialmente un percorso individuale.
Morandi realizzò le sue prime incisioni nel 1912, raffigurando paesaggi e nature morte, soggetti che lo avrebbero accompagnato per tutta la sua carriera. Questi primi tentativi si dimostrarono tecnicamente incerti e l’artista non realizzò nessun’altra incisione tra il 1915 e il 1921. In questi anni venne arruolato nell’esercito e, dopo il congedo che avvenne nel 1917, si concentrò sulla pittura. Le nature morte dipinte nel periodo del primo dopoguerra raffigurano bottiglie, vasi e brocche in cui assumono carattere fondamentale la struttura, i rapporti spaziali e il gioco della luce sulle forme. Nelle sue incisioni Morandi cercò di ricreare le stesse qualità di equilibrio tonale e di moderazione emotiva che caratterizzavano i suoi dipinti. Per ottenere questi effetti, Morandi sviluppò un approccio molto personale all’incisione, il quale risulta essenzialmente essere un mezzo lineare. Piuttosto che perseguire la complessità e la diversità della tecnica d’incisione di Rembrandt, che tuttavia ammirava molto, Morandi si rifece ai sistemi controllati di tratteggio utilizzati nell’incisione riproduttiva che definivano la forma attraverso la modulazione tonale. A partire dal 1921, anno in cui ritornò a dedicarsi all’incisione, Morandi sviluppò l’uso di una sottile maglia di linee parallele e tratteggiate per realizzare le sue composizioni raffiguranti nature morte e scene ispirate ai paesaggi locali.
Durante gli anni Venti, periodo in cui la produzione artistica di Morandi acquistò fama internazionale, le sue incisioni crebbero in raffinatezza formale e tecnica. La grande incisione del 1931 esposta alla NGV, Natura morta con il panneggio, risale al periodo in cui Morandi si impegnò più assiduamente nell’arte della stampa e durante il quale le sue incisioni raggiunsero il massimo della sperimentazione. Tra il 1928 e il 1933 Morandi realizzò un’ottantina di incisioni, che rappresentano quasi i tre quarti del totale della sua opera incisa, composta da 136 lastre. In Natura morta con il panneggio Morandi rifugge dai contorni forti e dalle linee curve che seguono la forma degli oggetti che descrivono, costruendo invece la sua composizione a partire da una rete intrecciata di linee corte e diritte. Queste linee descrivono gli oggetti, così come anche il panno stropicciato e lo sfondo, e si differenziano solo per la loro direzione, per la loro distanza e per l’alternanza tra passaggi di tratteggio, linee parallele e aree intaccate di carta bianca. Questo approccio non solo crea zone dal tono scintillante, ma è anche in grado di astrarre alcuni dettagli dell’opera, come ad esempio la grande conchiglia sullo sfondo e il vaso rotto che giace in primo piano. Morandi credeva che “nulla possa essere più astratto, più irreale, di ciò che vediamo realmente”, e questa convinzione è evidente nella tensione dinamica tra figurazione e astrazione che caratterizza questa importante stampa.1Giorgio Morandi, intervista di Edouard Roditi, in Edouard Roditi, Dialogues on Art, Ross-Erikson, 1980, p. 51.
Cathy Leahy, Curatrice senior, Stampe e Disegni, National Gallery of Victoria
Giorgio MORANDI
Still life with drapery 1931
etching
22.6 x 27.7 cm (image) 24.6 x 31.2 cm (plate) 35.1 x 49.9 cm (sheet)
ed. 21/40
National Gallery of Victoria, Melbourne
Presented by the National Gallery Women's Association, 1973
P16-1973
© Giorgio Morandi/SIAE, Rome. Licensed by Copyright Agency, Australia